La ene al aire libre, arte & ideología
Plaza Roberto Arlt (Calle Esmeralda 34 – CABA)
29 de abril de 2017
En septiembre de 1972, durante el gobierno de facto del Comandante Lanusse, Glusberg organizó la exposición Arte e ideología, CAyC al Aire Libre en la plaza Roberto Arlt. Una muestra colectiva de la que participaron sesenta artistas y que reivindicaba capacidad del arte de constituirse como “crítica en acto” frente a la ideología. En este caso utilizando el espacio público para entablar un diálogo con la sociedad argentina. La muestra fue clausurada por la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires pocos días después de su apertura argumentado que “la expresión de arte se había desvirtuado, dándolese un carácter subversivo”.
Al recrear esta exposición La Ene busca revisitar la historia del arte Argentino, con el objetivo de encontrar nuevos sentidos en esta experiencia que nos ayuden a comprender y enfrentarnos a nuestro presente.
Participantes en la exhibición:
Beatriz Arraiano / Valentín Demarco
Ricardo Amadasi / Tobias Dirty
Roberto Aizemberg / Constanza Giuliani
Jacques Bedel / Estrella Estevez
Luis Benedit / Sol Pipkin
Juan Bercetche / Esteban Álvarez
Cecilia Buyaude / Marcela Sinclair
Elda Cerrato / Mariela Scafati
Carlos Claiman / Pablo Rosales
Hebe Conte / Alvaro Cifuentes
Jorge Duarte / Andrés Aizicovich
Roberto Duarte Laferriere / Martín Legón
Gregorio Dujovny / Ramiro Oller
Carlos Espartaco / Martín Farnholc Halley
Mercedes Estevez / Maricel Nowacki
Jorge Frascara / Gastón Persico
Mederico Faivre / Osías Yanov
César Fioravanti / Ivana Vollaro
Jorge Gamarra / Marisa Rubio
Nicolás García Uriburu / Cotelito
Carlos Ginzburg / Mario Scorzelli
Haroldo Gonzáles / Flavia Da Rin
Víctor Grippo / Gabriel Chaile
Grupo K-17: Eduardo Marzano, Bernardo Rudoy, Alfredo Vozzi / Básica Tv
Grupo Blanco Espacio Humano: Daniel Calderón, Humbergo Gulino, Martín Dhrosso, Rut Klinger, Malena Marechal, Esteban Peleaz. / Provisorio Permanente
Uzi Kotier / Sebastián Mercado
Eduardo Leonetti / Luis Hernandez Mellizo
Jorge Lezama / Juan Reos
Adalberto Marzano / Laura Códega
Oscar Maxera / Juan Giribaldi
Vicente Marotta / Valentín Pelisch
César Mazzitelli / Laura Ojeda Bar
Arturo Montagu / Paula Castro
Movimiento Música Más: Norberto Chavarri, Jorge Laborde / Erroristas
Moisés Nusimovich / Nicolás Robbio
Luis Pazos / Daniel Alva Torres
Leonardo Perel / Nicolás Bacal
Alfredo Portillos / Martin Bernstein
Alberto Pellegrino / Walter Arancibya
Juan Carlos Romero / Joaquín Aras
Ricardo Roux / Francisco Medail
Martha Raffo / Nani Lamarque
Osvaldo Romberg / Fátima Pecci Carou
Nathan Saniewicz / Gala Berger
Elsa Soibelman / Pilar Villasegura
Jaime Silvera / Santiago Villanueva
Enrique Sardi / Rosario Zorraquín
Julio Teich / Marcelo Galindo
Colectivo, social, individual, histórico, futuro
JORGE PEREIRA
Colectivo, social, individual, histórico, futuro.
El modo de entender el arte para Jorge Pereira (La Plata, 1936) se funda en el
movimiento “Visión Integral” del que participó activamente en el comienzo de su actividad. Siguiendo los preceptos de dicho organismo de fuerte impronta bauhausiana, desarrollaron una serie de proyectos que tenían como finalidad la utopía de unir arte y vida. La obra de Pereira es muy coherente, se puede observar en los diversos episodios la permanencia de algunas inquietudes.
Por un lado está claramente la elección de la abstracción o mejor dicho, del arte concreto. Por otro el desarrollo de sistemas, un conjunto de principios enlazados que despliegan obra a obra hasta generar una nueva lógica sistémica. En esta oportunidad queremos desenvolver algunos de esos momentos que configuran su labor para explicitar dicho recorrido.
Se puede advertir el deseo de controlar cierta situación informal. A través de estas pinturas el autor intenta expandir la geometría en el ensayo con formas irregulares. Asimismo desafía la planimetría, al hacer desbordar la tradicional pantalla pictórica e imponer un recorrido a la manera escultórica, como sucede con los objetos. A medida que se transita alrededor de estas obras, la vista se modifica dependiendo el ángulo de observación, inclusive hay formas que desaparecen.
En la búsqueda encontró que en el soporte tradicional muchas situaciones quedaban oculta y que al ubicarlo en rombo permitía ver todas las formas laterales. De este modo exige complejizar la recepción, induciendo una participación activa y corporal del espectador. El plano es concebido como campo energético, son característicos de sus obras, por ejemplo, aquellas estructuras largas consiguiendo que el recorrido de las formas presentan situaciones de espacio/tiempo diferentes, alternando sus medidas y disposición.
Rancière reconoce una nueva idea de la superficie pictórica como zona de escritura común. Entiende que esa superficie es una forma de reparto de lo sensible, el mérito del artista crece en relación directa con el poder para crear ese código de asociaciones internas que nos dé nuevas opciones de lo visible.
En una conferencia sobre su trabajo de diseño en 1974 Pereira afirmaba que el objeto y el sujeto, o el hombre y el producto, se nos aparecen múltiples enlazados, en sus relaciones de producción en un sistema económico. Pero advierte la necesidad imperiosa de reconocer otras categorías: el sujeto colectivo, social, individual, histórico, futuro, ideal; todas ellas convocadas a participar de este encuentro.
DOSSIER
ARCO Madrid
Aldo de Sousa en ARCO Madrid, 2017
La propuesta de la galería Aldo de Sousa para ARCO 2017 trabaja sobre los problemas de la percepción, los juegos de la visión y el alcance de las formas. A través de las obras de ENIO IOMMI (Buenos Aires, 1926-2013), JORGE LEZAMA (Buenos Aires, 1921-2011), JORGE PEREIRA (La Plata, 1936), VIRGILIO VILLALBA (Tenerife, 1925- Paris 2009) y SOFIA BERAKHA (Buenos Aires, 1984) se condensan los planteos de la que se considera la primera vanguardia argentina –la Asociación Arte Concreto Invención- y algunas de sus posibilidades germinales, eje central del proyecto que rige la galería Aldo de Sousa desde su comienzo en 1972, y con la que queremos festejar nuestros 45 años de apoyar y difundir el arte argentino.
DOSSIER
Cuadriforme
Galería Aldo de Sousa
Noviembre de 2016
Buenos Aires
Muchas de las obras que construye Mazzoni nacen de un cuadrado. Desde esta única figura desarrolla un programa formal inagotable. Desarma las formas equiláteras al jugar con ellas en una práctica que simula un ejercicio de papiroflexia: dobla una esquina, después la otra, las pone dada vuelta. De esta acción nacen una serie de esculturas que concibe como pinturas tridimensionales, al recorrerlas, se pueden encontrar imágenes inagotables, parecen pinturas que no se terminan nunca. Éste podría ser el repertorio manifiesto del movimiento cuadriformista.
