Nous Les Arbres, Fondation Cartier by de Sousa Galería

Fondation Cartier, Paris

2019

unnamed (2).jpg
190711-Th_VOISIN-FondationCartier-NousLLesArbres_0323.jpg
NOUS_LES_ARBRES-PHOTO_LUC_BOEGLY-051.jpg
190711-Th_VOISIN-FondationCartier-NousLLesArbres_0099-2.jpg
Francis-Halle-Moabi.jpg
unnamed (1).jpg

Una comunidad de científicos, filósofos y artistas que han desarrollado un vínculo fuerte e íntimo con los árboles es convocada a investigar sobre su riqueza biológica, así como a revelar la belleza intrínseca de estos grandes protagonistas de la Tierra, hoy amenazados por incendios y deforestaciones a gran escala.
La exposición se plantea devolver al árbol el lugar del que ha sido despojado por el antropocentrismo. Reúne testimonios de quienes son capaces de mirar el mundo vegetal con asombro y nos muestran, para citar al filósofo Emanuele Coccia, que «no hay nada puramente humano: lo vegetal existe en todo lo que es humano, y el árbol está en el origen de toda experiencia».
Curado por el antropólogo uruguayo Bruce Albert, que ha acompañado la inquisitiva exploración de la Fundación Cartier sobre estos temas desde la exposición Yanomami, Spirit of the Forest (2003), el proyecto gira en torno a una serie de individuos que ha desarrollado una relación única con los árboles, sea intelectual, científica o estética.
Con dibujos, pinturas, fotografías, películas e instalaciones de artistas de América Latina, Europa, Estados Unidos, Irán y de comunidades indígenas como los Nivaclé y Guaraní del Gran Chaco (Paraguay), así como de los Yanomami, tribu que vive en el corazón de la selva Amazónica, la exposición está marcada por varios conjuntos repartidos en diferentes salas para explorar tres hilos narrativos. El primero, nuestro conocimiento de los árboles, desde la botánica hasta la nueva biología vegetal; en segundo lugar, la estética, desde la contemplación naturalista hasta la transposición onírica; y, por último, la devastación actual de los árboles, contada a través de observaciones documentales y testimonios pictóricos.
Artistas y colaboradores:  Efacio Álvarez, Herman Álvarez, Fernando Allen, Fredi Casco, Claudia Andujar, Eurides Asque Gómez, Thijs Biersteker, Jake Bryant, José Cabral, Johanna Calle, Jorge Carema, Alex Cerveny, Raymond Depardon, Claudine Nougaret, Diller Scofidio + Renfro, Mark Hansen, Laura Kurgan, Ben Rubin, Robert Gerard Pietrusko, Ehuana Yaira, Paz Encina, Charles Gaines, Francis Hallé, Fabrice Hyber, Joseca, Clemente Juliuz, Kalepi, Salim Karami, Mahmoud Khan, Angélica Klassen, Esteban Klassen, George Leary Love, Cesare Leonardi, Franca Stagi, Stefano Mancuso, Sebastián Mejía, Ógwa, Marcos Ortiz, Tony Oursler, Giuseppe Penone, Santídio Pereira, Nilson Pimenta, Osvaldo Pitoe, Miguel Rio Branco, Afonso Tostes, Agnès Varda, Adriana Varejão, Cássio Vasconcellos, Luiz Zerbini.

¨As The Planet Faces Catastrophic Deforestation, A New Exhibit Reveals The True Nature Of Trees¨, Jonathon Keats, Revista Forbes

Proyecto Eclipse by de Sousa Galería

Ximena Moreno & Lydia Korndörfer
Exposición colectiva
Santiago Chile
Galería de Artes Visuales
Artists: A/A (Alemania), Elisa Balmaceda (Chile), Armin Keplinger (Alemania), Felix Kiessling (Alemania), Benjamín Ossa (Chile), Katie Paterson (Gran Bretaña), Nicolás Rupcich (Chile) y Javier Toro Blum (Chile).
2019


Curada por Ximena Moreno y Lydia Korndörfer (Alemania), las obras presentes en la muestra buscan reflexionar desde distintas aristas sobre la noción de luz, oscuridad, óptica y escala. En el proyecto participan los nacionales Elisa Balmaceda, Benjamín Ossa, Nicolás Rupcich y Javier Toro Blum; junto a los alemanes A/A, Andreas Greiner, Armin Keplinger, Felix Kiessling; además de la británica Katie Paterson.
Las propuestas de las y los artistas dialogan constantemente con la idea del cosmos, la oscuridad y los cuerpos celestes. Mientras el Sol y la Luna, como protagonistas del eclipse aparecen como motivos protagónicos, el fenómeno de la oscuridad se vuelve el tópico central. La ausencia de luz, a su vez, metafóricamente implica reflexiones sobre el futuro de la humanidad.
Contexto del eclipse solar del año 2019. En el marco del eclipse solar en la Región de Coquimbo / Monte Grande el experimento entiende y continua dichas ideas en el argumento de la oscuridad entendida como un espacio, medio de transporte y sistema de comunicación capaz de trasladar cosas y objetos. Transformar la percepción del espacio y volcar en esa oscuridad nuestra experiencia y conocimiento¨.
¨Una construcción temporal y mental, en respuesta al estímulo y lo que somos capaces de entregarle en un tiempo determinado. Un espacio íntimo en relación a otra voluntad y movimiento que establece una negociación sobre la percepción¨.
¨Dos esferas de superficies distintas, materialmente disímiles y calóricamente opuestas. Coyunturas que no son blandas, ni líquidas, y mucho menos azarosas. Al contrario, son precisas, rígidas y sólidas. La lectura de este fenómeno acarrea todo un imaginario flotante de asuntos ligados a la geometría, a la ciencia empírica, a nuestra historia pasada, al paisaje y a nuestro presente a la naturaleza¨.

Campamento Eclipse

En el contexto de la residencia en el Laboratorio Eigengrau (Santiago de Chile 2015) desarrollé un experimento que tenía por propósito investigar el uso de la oscuridad como un medio para el trabajo artístico. Investigación que contrastó la experiencia con la representación y entendió la ausencia de la luz como una llave para ocupar la oscuridad como un campo de acción y sentido.

En el marco del eclipse solar en la Región de Coquimbo / Monte Grande el experimento entiende y continua dichas ideas en el argumento de la oscuridad entendida como un espacio, medio de transporte y sistema de comunicación capaz de trasladar cosas y objetos. Transformar la percepción del espacio y volcar en esa oscuridad nuestra experiencia y conocimiento. El vínculo a establecer con esta idea busca simbolizar el uso de la oscuridad como un elemento activo, un canal hacia el conocimiento cognitivo en relación con experiencias presentes y pasadas. La utilización de un pequeño destello lumínico tiene por objeto orientar y activar nuestra percepción; la luz en este caso es la puerta de entrada a la oscuridad que nos hace consientes de la experiencia en la cual estamos insertos. Nos vincula y relaciona, instruye tempranamente nuestro comportamiento.
El parpadeo de un pequeño punto de luz flotante en la oscuridad responde al movimiento corporal que explora el uso de la oscuridad como un elemento activo. Entender el espacio como una construcción temporal y mental, en respuesta al estimulo y lo que somos capaces de entregarle en un tiempo determinado. Un espacio íntimo en relación a otra voluntad y movimiento que establece una negociación sobre la percepción.
Dos cuerpos unidos por una línea, negocian la percepción y construcción de un fenómeno en el espacio. Ambos balancean y tensionan la experiencia propia y ajena en relación a que él espacio se construye y de-construye constantemente. Este tiempo de oscuridad pretende abrir una vía hacia el despojo de ideas pre concebidas y la concreción de un espacio mental por construir una experiencia en relación a la oscuridad y al el tiempo.
Estos dos movimientos en tensión, condicionantes el uno del otro, o de otra manera co-productores de ambas experiencias particulares, negocian y acuerdan o no un equilibrio y experiencia. Tendrán un tiempo determinado para reproducir, interpretar o trasladar la memoria de lo observado en un plano. Al igual que la idea utilizada en “Un experimento de dualidad y percepción: dibujo temporal /Eigengrau, donde cada participante pudo dibujar su experiencia, transportar esa idea de espacio, tiempo y oscuridad a una imagen.

Crédito Fotografías: Rafael Guillén / Benjamín Ossa

XIII Bienal de La Habana / DETRÁS DEL MURO "Un invisible faro" by de Sousa Galería

Malecón
Detrás del Muro / Escenario Liquido
Juanito Delgado
Bienal
Habana, Cuba

La obra consiste en 3.966 discos de aluminio de 100 y 150 mm de diámetro, suspendidos por medio de cables de acero inoxidable desde una estructura conformada por tubos de acero dispuestos en grupos de triángulos equiláteros.
Esta pretende situarse como una suerte de faro, monumento que recoge y evidencia los fenómenos naturales que ocurren en el Malecón; el sol, el viento y diversidad que transita por ahí. Un cuerpo tubular y semi translúcido que indaga en la noción de lo visible, de la pertenencia y de la situación fenomenológica que ocurre en el espacio. ¿Cómo el sol parpadea sobre el mar? ¿Cómo el viento golpea y desplaza lo frágil? ¿Cómo un color se convierte en una identidad extendida en el tiempo? 
El Malecón se extiende como una línea de vida, un trazo donde habitan y sueñan los cubanos, una delgada franja humana que bordea delimitando a Cuba en el tiempo. La obra está en relación a la bajada del sol que parpadea sobre el mar y se transforma en un faro, no para los barcos, pero sí para toda esta vida que sucede en este lugar.

Patrocinadores:
Artespacio Gallery
Ca.Sa. Foundation
NG Art Gallery

Arquitectura:
Agustín Infante Krebs

Crédito fotográfico:
Cristian Aninat
2019

¨Que vea el que quiera ver¨, Soledad García-Huidobro, Diario La Tercera

Urban Impulses: Latin American Photography from 1959 to 2016 by de Sousa Galería

The Photographers gallery
14 de junio al 6 de octubre de 2019
Londres, UK
Curaduría: María Wills & Alexis Fabry

Urban Impulses embraces half a century of Latin American photography, from 1959 to 2016, through more than two hundred images selected from the extensive collection of Leticia and Stanislas Poniatowski. Featuring the work of over seventy photographers and artists, the exhibition includes well-known names such as Alberto Korda (1928-2001, Cuba), Graciela Iturbide (b.1942, Mexico) and Sergio Larrain (1931-2012, Chile), as well as lesser known and emerging practitioners such as Eduardo Longoni (b. 1973, Argentina) and Beatriz Jaramillo (b.1955, Colombia).
Offering a diversity of artistic approaches, from street documentary to collage, the show traces a constellation of significant historical events that have marked the region: the Cuban revolution, military dictatorships in Argentina, Brazil, Chile, and Paraguay, along with mass social movements which, in still unconsolidated democracies, have given way to repression. Daily resistance to oppression has been a part of the agenda of many artists in the exhibition, and activism in both the artistic and political fields have been manifested in and through the spaces of the urban street. Here a hybrid iconography emerges where photography exists in tandem with other media of mass circulation such as graphics, photo-copying and print media, often involving the marking, cutting and defacement of images where the notion of appearance and disappearance exist in tandem.
The exhibition is curated into two distinct but complementary themes: Shouts and Pop-ular. Shouts considers photography’s role not only in documenting identities and presences, but also to explore absences: in the face of kidnappings and forced disappearances carried out by authoritarian regimes, photography has been a weapon against silence. Public spaces and the city walls have also played an important role: when pen and paper, laws and rights, courts and judges have failed to obtain justice, the walls of the cities have taken on a life of their own. And photographers have portrayed these walls, covered with the slogans and cries of protest of those demanding political, social, and economic recognition, and reflecting the anger and cynicism, the hopes and frustrations of the cities’ residents.
In Pop-ular, artists’ mine the tropes of mass media and their manifestation in public spaces. Since the 1960s, as Latin America has undergone rapid development, advertising images have diversified and multiplied, marked by the rapid transition to a consumer society. The first widespread use of colour photography was in advertising, and the richness of pop culture imagery, often associated with commerce and advertising, marks the visual identity of the Latin American metropolis. Signs, patterns and typographies, often created by self- taught hands, confer on the display windows an almost innocent beauty. Pop culture in Latin America has a meaning adapted to its context, going far beyond a commentary on patterns of consumption and commodities. It is related rather to popular culture, closer to a vernacular aesthetic, with a capacity to create a symbiosis out of external pop influences. Latin America is a pastiche of the past and the present, of the local and the international.
This exhibition provides an important counterpoint to the dominant Western and North American histories of photography. Latin American identity is a paradox forged in diversity: every country has its particularities, but most of them have struggled with the conflicting claims of nationalism and regionalism in the face of constant attempts at cultural and economic colonization by “First World” countries. The works here express the contradictions of a region which, in its hybrid condition, finds itself torn between the pre-Hispanic world, the post-colonial experience, and the capitalist drivers that have implacably invaded the process of consolidation of its cities. Chaos acts in them as an emancipating force.

Exhibiting artists:
Carlos Aguirre (b.1948, Mexico), Luiz Alphonsus (b.1948, Brazil), Édgar Álvarez (b.1947, Colombia), Yolanda Andrade (b.1950, Mexico), Jaime Ardila (b.1942, Colombia), Ever Astudillo (1948-2015, Colombia), Álvaro Barrios (b. 1945, Colombia), Juan Enrique Bedoya (b.1966, Peru), Fernando Bedoya (1952, Peru), Enrique Bostelmann (1939- 2003, Mexico), Bill Caro (b.1949, Peru), Anselmo Carrera (1950-2016, Peru), Jesús Reyes Cordero (b.1956, Mexico), Armando Cristeto (b.1957, Mexico), François Dolmetsch (b.1940, UK/Colombia), Felipe Ehrenberg (1943-2017, Mexico), Virginia Errázuriz (b.1941, Chile), Paz Errázuriz (b.1944, Chile), María Elvira Escallón (b.1954, Colombia), José Alberto Figueroa (b.1946, Cuba), Fernell Franco (1942-2006, Colombia), RenéFreire (b.1952, Mexico), Carlos Gallardo (b.1954, Chile), Héctor García (1923-2012, Mexico), Paolo Gasparini (b.1934, Venezuela), Lourdes Grobet (b.1940, Mexico), Billy Hare (b.1946, Peru), Alejandro Hoppe (b.1961, Chile), Alvaro Hoppe (b.1956, Chile), Helen Hughes (b.1948, USA-Chile), Graciela Iturbide (b.1942, Mexico), Beatriz Jaramillo (b.1955, Colombia), Mario García Joya (nee Mayito, b.1938, Cuba), Alberto Korda (1928-2001, Cuba), Sergio Larrain (1931-2012, Chile), Adriana Lestido (b.1955, Argentina), Diego Levy (b.1973, Argentina), Eduardo Longoni (b.1959, Argentina), Marcos López (b.1958, Argentina), Héctor López (b.1955, Chile), Pablo López Luz (b.1979, Mexico), Ayrton de Magalhães (1954-2017, Brazil), Eniac Martínez (b.1959, Mexico), Agustín Martínez Castro (1950-1992, Mexico), Sebastián Mejía (b.1982, Colombia), Ernesto Molina (b.1952, Mexico), Luis Molina-Pantin (b.1969, Venezuela), Pablo Ortiz Monasterio (b.1952, Mexico), Mario Cravo Neto (1947-2009, Brazil), Viki Ospina (b.1948, Colombia), Adolfo Patiño (1954-2005, Mexico), Claudio Pérez (b.1957, Chile), Ataúlfo Pérez Aznar (b.1955, Argentina), Jaime Razuri (b.1956, Peru), Santiago Rebolledo (b.1951, Colombia), Miguel Rio Branco (b.1946, Brazil), Herbert Rodríguez (b.1959, Peru), Miguel Ángel Rojas (b.1946, Colombia), Jesús Ruiz Durand (b.1940, Peru), Osvaldo Salerno (b.1952, Paraguay), Francisco Smythe (1952- 1998, Chile), Carlos Somonte (b.1956, Mexico), Milagros de la Torre (b.1965, Peru), Nicolás Torres (b.1957, Peru), Juan Travnik (b.1950, Argentina), Sergio Trujillo (b.1947, Colombia), Jorge Vall (b.1949, Venezuela), Pedro Valtierra (b.1955, Mexico), JoséLuis Venegas (b.1944, Mexico), Leonora Vicuña (b.1952, Chile), Jaime Villaseca (b.1949, Chile), Enrique Zamudio (b.1955, Chile), Helen Zout (b.1957, Argentina), Facundo de Zuviría (b.1954, Argentina).